这几天里，

人性在灾难面前所闪现的大爱、大勇、大智，每天都感动着我、震撼着我，

叛逆的青春期早就和rock&roll失之交臂了，
所以我不是Joy Division的粉丝，但对音乐电影我向来没有抵抗力。
看完这部电影后，
满脑子都是Ian Curtis古怪癫痫抽搐似的机器人舞步，
满耳朵都是三和弦加强硬持续的鼓点和疏离压抑的离线唱腔。

这部Joy Division主唱Ian Curtis的传记片，由荷兰籍导演安东·寇宾执镜，
这位世界知名的摇滚摄影师与音乐录影带导演，
给电影带来了横贯始终的美丽黑白镜头，
如果你将电影每一帧定格下来，那都会是一张精致的复古照片。
黑白胶片的应用是成功的，
衰落的老工业城，孤寂无人的街道，永无停止的生产流水线，
Joy Division乐队所在的英国punk时代，被刻画架构得恰倒好处的郁瘁与无望。

很平静的看完这部电影，没有大起也没有大落，
因为本片的重点并没有放在乐队的成名之路上，
电影根据Ian Curtis的妻子Deborah所写的文集《遥远的抚摸》改编，
所以本片不可避免的更多的着眼于Ian Curtis的个人生活。
在导演朴实无华的叙事手法下，
我们看到的是，
少年成名背后，矛盾的感情漩涡和癫痫病恶化的困扰，
重重压力下一切失去了控制，
一个23岁的天才少年终于以一种极端的方式告别了这个世界。
很遗憾的看到，
被很多热爱朋克摇滚的歌迷奉成神话的Ian Curtis，
并不是为他的音乐而死，只是怀着音乐而死。
撇去电影的女性视角，
我更愿意相信，Ian Curtis的死亡方式是忧郁音乐必然的发展，
真正的天才似乎都会走向极端，然后疯狂，之后再狐独的离开这个世界，
Ian Curtis在上个世纪孤独绝望的呐喊，最后精疲力竭后倒在了深深的黑暗之中，
Ian Curtis与生俱来的悲剧宿命正是以黑暗音乐为起点以毁灭为终结。

用形容Joy Division乐队的话来结束对这部电影的推荐：
冰冷的心灵探问——克制的情感刻画，
沉寂的美的追求——冷竣的黑白画面，
在动人的震颤中进入灵魂迷宫——含蓄的叙事方式。

这部电影在我去年看过的音乐片中是排不进前三的，
电影整体上让人多少感觉有点单薄和稚嫩，
不过，也许那位只有23岁的年轻人短暂的一生本身就没有什么值得大书特书的地方。

PS：看完电影，专门到Youtube上看了看Joy Division的视频，
我觉得Sam Riley 的舞步比Ian更像抽搐。

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这是一部令人激动的音乐电影，
这份激动源于披头士的音乐和那个如火如荼的年代，
而导演Julie Taymor所做的仅仅只不过是随意地将这些音乐和那段历史串在了一起。

美国的60年代是一个充满动荡激情的时代，也是一个神话般的年代，
民权运动，“新左派”学生运动，“垮掉的一代”的宣言，越南战争，嬉皮士运动，性解放……
这一场持续了十年与“青年”有关的运动，在历史的天空上划下了一道美丽的彩虹。
就像中国人对文革题材的影视剧热衷一样，美国人也非常喜欢缅怀这一段不可忘却的年代。
导演Julie Taymor用民谣摇滚、青春，拍出了一部笼括了60年代美国文化的复古电影，
《穿越苍穹》一部“很”美国的电影，
如果你对披头士不了解没有关系，看这部电影你一定会成为披头士的歌迷，
但如果你对美国文化不了解的话，观赏这部电影可能就有点乏味了。
因为电影本身就是在用音乐回顾美国60年代的历史。

60年代的美国音乐是令人兴奋不已的，
有Bob Dylan，有The Mamas and The Papas ……
还有被认为历史上最著名也最具影响力的乐队——披头士。
那一个处处渗透着披头士歌曲的激情时代，用披头士的音乐来回溯无疑是最适合的，
音乐其实正好就是那个时代发生的一切事情的一个缩影，
虽然电影全片由披头士的音乐贯穿，但《穿越苍穹》不是一部披头士的纪传片，
电影是在对披头士致敬，更是对整个美国的60年代致敬。

1969年8月16—18日，
45万疯狂的歌迷参加了在美国纽约州贝瑟尔的卡茨基乐山村举行的摇滚音乐会，
这也就是永载摇滚乐史册的“乌士托音乐节”。
这次音乐节上，嬉皮士打出了“音乐、和平与爱”的旗帜，
当时的美国媒体将其评述为，
“在泥泞的草地上，美国 青年远离越南战场的血腥洗礼，真正体验到和平相处的快乐与永恒值”。
从那时起， 在California ，在San Francisco ……
街上到处是留着长发穿着褪色牛仔裤戴着手镯耳环的嬉皮士，
他们用音乐歌颂着和平、博爱、自由，反抗着战争。
而《穿越苍穹》这部无处不洋溢着60年代时代痕迹的电影，
其主题也正是那个时代美国青年中宣扬的——爱、自由、和平。

英国利物浦的男青年Jude和美国姑娘Lucy的爱情故事，
披头士脍炙人口的歌曲，反叛的嬉皮士，梦幻绚丽的影像，
在过去的时光中被反复提及的60年代中，
我看到了，无数的追寻着自身解放青年，
对理想的执著，对自由的追求，对主流的叛逆，对和平的渴望。
街头燃起硝烟，广场上振臂高呼，
社会需要变革，人的思想需要变革，音乐也需要变革，
影片最后乐队在楼顶的演出——《don't let me down》，
（披头士最后公开演就是苹果唱片公司的楼顶唱了这首《don't let me down》）
记录了这些为了理想不顾一切的年轻人曾经无畏的声音，
“我们尝试选择，我们努力选择，是我们改变这个世界，还是世界改变我们”。

导演Julie Taymor是这样谈她的创作灵感的，
“我最初的想法就是通过披头士的歌曲，连接出来一部影响一代人的音乐剧”，
电影是成功的，
那块炽热的土地，那群觉醒的青年，那些喧嚣夺目的时代产物，那33首划时代的披头士歌曲，
给了我们一个可触及的神话和一串熠熠生辉的回忆。

总有些音乐让人感动，
总有段历史让人难忘，
一个时代匆忙过去，
爱，自由，和平，2007年，披头士的音乐，重新排序，
《穿越苍穹》是Julie Taymor的青春记忆，是关于披头士的记忆，是关于美国60年代的记忆。

PS:披头士的音乐就是那样“愉悦的伤感”！本专集也是我今年最喜欢的电影原声之一，
有人说，音乐就像是一段思维的旅行，
当一首首经典的歌曲被重新演绎，也一定会钩起你无限的怀想。

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两个半小时的电影，不忍按停，没有“中场休息”，
既怕自己会突然出了那个理想自由执着到脆弱的世界，
更怕自己回了世俗理念所束缚的现实，再也入不了戏。
诚实的讲，这部电影让我感动，
一个踌躇满志的德性青年忽然被一个叫做“自由”的概念哽住了喉咙，
于是他狂野痛苦地上了路，开始了自由到癫狂的最极端的流浪。

这部《Into The Wild》也是我看过的最接近凯鲁亚克《在路上》里描述的那种旅行状态的电影，
伸出朝上的大拇指搭便车穿越整个美国，在Chris那种近乎疯狂的公路生涯中，
我们看到了广漠大地上那些有着各不相同生活却又绽放着自己缤纷的生命，
流浪的吉普赛女郎、南达寇塔州种玉米的农民、欧洲旅行者……
是见闻，是收获，也是体验。
不管别人怎么评价，在我看来，Chris筹集旅资向阿拉斯加进发的过程是精彩的，
搭乘的陌生人的汽车，路上陌生的新鲜伙伴，睁开双眼后看见的黎明，
看不见尽头的公路，浑浊汹涌的河流，短暂的打工停泊……
或许，在常人看来，Chris有点任性，有点孤傲，
但那种在陌生环境中，那些不顾一切的冲动下，和世界的不断试探与追求心灵的释放，我看到了。
选择生活需要勇气，被生活选择需要运气，
“远走高飞”是诱惑，“为所欲为”更令人神往，
如果有人羡慕Chris的话，那一定是他过着自己最想过的真实生活。
Chris惊世骇俗的自我放逐过程，正是代表了一种年轻叛逆精神，
个性解放与自由独立，也有愚蠢执拗的坚持，
所以电影既可以叫人燃起追梦的渴望，也可以让人充满了悖论和疑问。

电影可以分为两个部分，
一部分是Chris筹集旅资向阿拉斯加出发的过程，另一部分就是Chris到达阿拉斯加荒野后的生活。
如果说向阿拉斯加出发的过程我们可以用“文艺”的角度看得“唯美浪漫”的话，
那到达阿拉斯加荒野后的生活就只能用“残酷”来形容，
其实这部电影让人惊心动魄之处，也在于它的真实，
电影故事改编自美国另类作者乔恩·科莱考尔的同名报告文学，
而这个小说就是根据发生在1992年的真人真事为蓝本写成的。

当一个理想主义的唯美旅人，妄想凭借10磅大米和一条猎枪及400发子弹，
在阿拉斯加的荒野中生存，就注定故事抹不去的悲剧色彩和个人英雄主义色彩。
前途无限的年轻人不留余地的卸下物质欲求，选择了走入旷野，回归原始的生活，
他在寻找什么？似乎又什么都没有找到？
是为了站在高峰感受天地开阔享受自由？还是为了逃避物欲横流、世俗束缚？
或是一种属于灵魂最深处的渴求？
与双亲的疏离也罢，对世俗的不满也好，
Chris的反抗物质文明的厌世生活方式，在人类文明发展到今天却只能是个悲剧，
因为人早已失去独自拥抱大自然的能力。

Chris死那刻的确是个迷，他到底在想什么？
是坦然还是恐惧？
和书相比，导演Sean Penn的结尾很诗意，
Chris用水擦洗干净身体，换上干净衣服，钻进睡袋，仰望蓝天，
在弥留时刻心里想起原本怨恨的父母，那急促如心脏跳动般的鼓点随着Chris生命的终结而逐渐停止，
“也许我会微笑着回到父母的怀抱，但那时我眼里所见的天空，会不会和此时的一样？”
对于一类人，也许如何生存对他们来说远比要生存更为重要，
我愿意相信，Chris真正满意于他短暂一生所感受到的一切自由。
但是我觉得，Chris最终的人生体验，
应该是日记中最后那句“The happiness is only real when shared/真实快乐来自与人分享的喜悦”，
我想，他感受到了个体的渺小与孤独，注重自我并不意味着忽略他人的感受，
这句话正是这个反抗物质文明的青年在孤寂艰苦的原始生活中，
所重新体会到的对美好生活的热情，对世界大同的渴望。
纵然放逐自然能感受到自由和宁静的幸福，但是最大的幸福还是与家人朋友一起分享生活每时每刻，
Chris用生命还原了生活的真相和人生的快乐。

这部电影的IMDB评分太强悍了，恩，又一部自己今年大爱的电影。

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当胶片中的6位“鲍勃·迪伦”一起交错闪现，当《I'm Not There》的歌声响起，
某种弥漫着的疏离、激愤、不羁、忧伤的情绪，
某种纷沓而来又纷沓而去的丝丝缕缕不可名状的情感，
编织成一个影音绵密的窠臼。
导演托德·海因斯亲手弄塌了电影线条本该有的流畅性，却得到了最丰富的音乐意像，
我想我是第一次滑倒在了最伟大的行吟诗人身上。

这是一部根据英国作家霍华德·苏尼斯撰写的鲍勃·迪伦非官方自传改编的电影，
但我想导演托德·海因斯一定看过鲍勃·迪伦写的那本《编年史》，
那种“打破时空概念，随意叙事”的“散乱扑克牌”方式，在这部电影中得到应用。
和迪伦永远不按常理出牌的叛逆气质一样，
这部电影也体现了一种突破的追求，
没有严谨的结构和叙述，也绝不是回忆录或者“历史见证”，
意识流般的碎片记录，掺杂着鲍勃·迪伦般玩世不恭的重构，
像一片晦涩的意识流旷野，并始终涌动一种随心所欲的态度，
让你感觉不到是在观看一部传记电影，
电影虽然也在回顾鲍勃·迪伦的过去，但记录下来却是诗，却是歌。
这部很实验也很艺术的电影，我不会做普及型的推荐，
但我想，无论你对于本片的观影体验是怎样的，可以肯定的是，那都将是你从未有过的感觉，
《我不在那儿》是本人今年最喜欢的电影。（绝对不用加“之一”）

导演托德·海因斯是这样解释自己的创作灵感的，
“多年以来，鲍勃•迪伦从来都拒绝自己以往扮演的角色。他不断地前进又不断地否定自己。
我的想法就是用不同的演员扮演同一个人，用差异来诠释这个永远在路上的人。”
于是六个人身上分别栖息了鲍勃·迪伦的灵魂，
以下这些如雷贯耳、独挡一面的明星都是免片酬出演本片的。

六个“鲍勃•迪伦” 展现一代才子尽情释放生命的风采……

11岁的黑人小男孩马库斯·卡尔·富兰克林扮演了少年时期的鲍勃·迪伦，但是他的名字叫伍迪。现实中，鲍勃·迪伦的偶像就是在吉他上刻着“This Machine Kills Fascists”的美国民谣鼻祖伍迪·格斯，而鲍勃·迪伦的音乐深受黑人布鲁斯音乐的影响。所以导演选择黑人小孩出演了鲍勃·迪伦的第一个人生面。鲍勃·迪伦最令人难以捉摸的地方——就是他的身份。鲍勃·迪伦在纽约的时候，曾经随意编造经历———说自己曾在墨西哥长大，并跟随马戏团四处流亡……这在电影中也有反映。不管怎么样，我们看到了一个，从小就预谋着并终于逃离了一成不变、狭小封闭的家乡的少年，他倾听着内心里纽约对自己的呼唤。

《香水》中的香水天才英国演员本•威士肖饰演了迷恋19世纪法国诗人兰波的青年Arthur，兰波是鲍勃·迪伦非常欣赏的一个法国诗人，这也构成了迪伦的另一面。鲍勃·迪伦作为歌手之外，更是备受敬重的行吟诗人，他也是唯一获得诺贝尔文学奖提名的歌手。谈到本•威士肖饰演的“兰波式”鲍勃·迪伦，导演托德·海因斯说，“兰波是个真正的天才、反叛者，一个16岁的神，是跨时代的终极摇滚巨星。而迪伦是第一个具有兰波气质的音乐人，尽管之后还出现了帕蒂•史密斯、吉姆•莫里森和科特•柯本，但迪伦是开先河者。”

“蝙蝠侠”克里斯汀·贝尔在片中分饰两角，一个名叫杰克•罗林斯，另一个名为约翰牧师。前者以在大量创作民谣歌曲的鲍勃·迪伦故事为蓝本，后者对后来年老的迪伦皈依天主教进行发挥。从这段我们可以看到迪伦如何从民权运动音乐的代言人转变为平静的皈依宗教者。朱莉安·摩尔在这一节扮演了鲍勃·迪伦的重要支持者和朋友——民谣女皇的琼·贝茨。琼·贝茨当年邀请鲍勃·迪伦在她的演唱会上一起表演，并为其录音。两人曾经共同在1963年的被称之为“华盛顿大进军”的大规模民权运动游行中表演，正是在这次大游行中，马丁·路德·金发表了他著名的《我有一个梦想》的演讲。电影里朱莉安·摩尔一本正经、侃侃而谈的“伪回忆访谈”让人实在忍不住想发笑，呵呵，真的很有趣。鲍勃·迪伦和琼·贝茨那份传奇般的交至今还被人津津乐道，2005年马丁·斯科西斯拍摄鲍勃·迪伦的传记片《没有家的方向/No Direction Home》，面对老马的镜头，迪伦回忆到琼·贝茨时潸然泪下。

希斯•莱杰表演的这一段故事主要是鲍勃·迪伦的感情生活，希斯•莱杰饰演迷失自我的演员罗宾，他在好莱坞拍一部名为《一料沙子》的电影，最后电影没有取得成功，感情生活也分崩破裂。当我再次第二遍看这部电影的时候，希斯•莱杰已经意外去世了，带着“斯人已逝”的感慨，这段又像希斯•莱杰又像鲍勃·迪伦的情感故事只让人忧伤怅然……我觉得希斯•莱杰演得很好！那些豆瓣上的“跟屁虫”去死吧！