圈外说画

作为一名“在野”的采油人，我很看重这份职责中的寂寞与坚守。

按部就班的工作，天马行空的生活。就像身边的一根芦苇，有飞扬，有落寞，会经霜，当然也会有重生和蔓延。

一根有思想的芦苇。多么精妙的比喻！遗憾却不是出自我的原创，纵然这也是我自己体会的结果。这就是艺术，只要有人在你前面实践，你就永远是下一个追随者和附和着。于是，寻求语言的先发权，就成了艺术翻新永恒的动力。

这十年，从绘画，到诗词。从篆刻，到书法。又回到绘画。如此一个轮回后，才发现：绘画真的是一种更直接，更综合的语言，一种饱含图示，符号，暗喻交织的语言。

“我得承认，书写，言说，令我获得绘画从未给予的快意，而当我闭嘴描画时，我再三庆幸画画比我所能想象的幸福，更幸福。”很遗憾。这又不是出自我的原创，这是陈丹青在《归国十年》里的一段文字。

那就让所谓的“原创”走远吧。只要作品暗合自己的本心，就可以无所顾忌。苏轼《书杜子美屏迹诗》中不无自豪的说：字字皆居士实录，是则居士诗也，子美安得禁吾有哉？

近期的山水，明显的取法宋元经典。不再刻意所谓个性的张扬，也不再在意所谓时代的气息。因为我相信：经典超越具体的时代，回归暗合每个人的本性。

在一个取向多元而又底蕴不足的时代，所有的选择都将面临两难。

且让我置身圈外，换来一个“旁观者清”的结果。

郭振坤。

中国书法家协会会员。中国书画研究会会员。中国楹联协会会员。山东印社社员。

现供职胜利石油管理局河口采油厂501队。

突然间的自我

传统花鸟画发展到现在，从画面物象的程式造型到笔墨渲染的技术配置都似乎已然达到了某种极致，如同四面合围的高墙，让后续者难以招架与突破。

笔墨当随时代。现在看来，这句经典的名言最起码面临三个需要反思的问题：什么是符合“时代”的笔墨标准？时代对笔墨的重新诠释与拓展是否准确，明晰与深刻？如何避免笔墨当随时代所造成的个性创作趋同化的影响？

无可否认，现代的美院教学机制对中国山水画与人物创作都获得了巨大的影响力和统治力。但对于大写意花鸟画的传承与拓新却总显得有些力不从心，反而是崔子范，王憨山，张朋，乍启典等一批花鸟画家，凭着突出的个性化笔墨形式语言，时不时的被翻出来冲击着日益工笔化和甜俗化的花鸟画创作。

中国艺术的巨大魅力，在于由象形文字符号演化出来的意象特征和与之相生相谐的表现手法。从这个意义上来讲，书法无疑称得上是中国艺术的典型代表。而中国画自从文人参与后，也开启了由功能再现型向气质表现型的转化。为求意足，重神轻形。注重个人的灵感与顿悟，依赖个性笔墨的修炼与释放。

从这一点上来说，崔忠现有的选择就不难理解。

崔忠，鲁北博兴人。负笈京师清华园，师从著名画家刘怀勇先生。取近作汇为小集。曰：崔忠画履。履者，践行也。先贤有云：及之而后知，履之而后艰。看来崔兄对将来跋涉的道路是心有所待的。

崔忠近期的花鸟画创作最大的收获就是开始寻找突然间的自我——一种随性而发的感觉。表现在作品上就是迅疾刚猛，交结盘曲的线质。而在造型构图上则趋于粗服乱头，似乎少了些拙厚圆浑，但却平添了撞击心扉的淋漓恣肆。这在他的几个扇面小品中有着更为清晰地呈现。具体的物象已然被提纯和幻化，笔墨被凸显，碰撞，交错与分割。

任何物象都具有多种的含义，不存在对物象唯一性的解释。真正的感觉实际上正是确定性的物象所无法到达的地方。无法言说的意味反而才能真正换取对物象精神的总体把握。刘怀勇先生曾精辟地指出：形有两个概念，一是物象之形，二是点线之形。文人画是养出来的。玩出来的。而不是造出来的。想来崔兄从这两句话中受益良多。

信为四句。以为小贺。

笔摇光影幻墨痕，势作秋风恣纵横。

夺得百花魂魄后，留取斑斓太古春。

                                                           郭振坤

                                                       辛丑岁末于存山堂

时。画

郭振坤

关于山水画，我想表现和隐现的都有一个明确的指向——时间。

是有关时间的错位，流失，追溯与迷离。

是一种时间概念下的空间轨迹。

绘事后素。

对“笔墨”的阐述始终是一种存在和永在。

从某种意义上来说，笔墨以其表达形式的单纯性因而最具有“形而上”的意味。王维画论《山水诀》主张：“夫画道之中，水墨最为上。肇自然之性，成造化之功。”笔墨被赋予的涵盖性在一定程度上远远超越了“形”的概念，不再被“形”所拘束。故符载有言：“非画也，真道也。”

“借笔墨图写天地万物而陶泳乎我也。”自然空间只不过是心理空间的加工对象。

境由心生。

佛教中的《俱合诵疏》云：心之所游履攀援者，故称为“境”。

心不同，随心而生的种种“虚妄之境”也就随之有了千差万别，有了高下清浊，这种由心产生的“境”也就随之成了历代画家所努力表达的主题，所刻意张扬的自我。

南齐的王微有言：夫言绘画者，竞求容势而已。本乎形者，融灵而动变者，心也。横变纵化而动生焉，前矩后方而灵出焉。

质有而趋灵。

对物象的本体表现是具象和有限的，而对“象外”的表现却因其“不可言喻”而能达之于“无限”。

元代的黄公望有言：“画，不过意思而已。”真是何等惬意！

对象外之境的追求使中国传统绘画的内涵往往超出了画面固有的界限，融入了个人思考和生命历练，“寄托遥深。”作品也因此具有了和古人与后人对语的时间意象。

传统是一个对历史鲜活的延续。向下可以流变，向上可以推演。

历史的沉淀和渗透总是让我困惑和迷恋。正如古画斑驳剥蚀的肌理更让我惊异与畅想。我不在意作品的完整性和所谓的“品相完好”，对我来说：缺失的部位或许更容易让人猜测，推究和深入。我常常在作品中反复地使用刷，喷，印，染等肌理制作，同时辅之以刮，擦，划，撑等综合手法，从而在二度空间的画面上也呈现出一定的三维空间，以期能够感受“时间”的沁入。

只要残损的画面中充盈圆融的意象，幻移的时间，这，已然足够。

终于可以静下来画张画了。半夜微雨，本以为今晚会看不见圆月的，没料到画毕停笔，关掉台灯后，猛地发现有月光倾窗而入。大喜，开门步于院中。圃中秋茄萧疏，倒影垂地，恍若水墨。仰观太清，月圆新浴，真无纤丝之翳。此非以清寂之境慰孤寂之人乎？

浪淘沙金色黄河口书画展前记

    郭振坤

大浪淘沙。

所有的艺术思潮都将面临历史的筛选和磨砺。

作为传统的艺术，中国的书与画都试图把自己的主观情感，人格力量乃至生命激情定位在表现的对象身上，他们在展示和再现客观事物及其特有形式的同时，更注意对其内在本质及自身修养的体现，因此，对单纯的笔墨形质和韵致的追求与要求，似乎远远大于对画面营造和视觉结构的探索与演进。在这里，书与画都不再仅仅是对物象的表现和再现，而成了一种充满阐释的自我表达。清代《东庄论画》有言：画之妙处，不在华滋而在雅健，不在精细而在清逸。盖华滋精细可以力为，雅健清逸则关乎神韵骨骼，不可强也。

所有的笔墨尝试都只是为了承载更丰富的情感，更个性的意志。

金秋十月，黄河入海口。当代致力于书画结合和创作实践较为突出的七位艺术家，将在东营联合呈现一种充满逸致的水墨雅集。

他们是：于明诠，刘生东，吕斌。弘石，李渊涛，费中星，张桂庭。

与很多追求恢宏气质与精巧构制的展览不同，此次展览的作品弥漫着稚拙和休闲的文人书卷气。机敏而旷达，直率而真诚。在强化文人笔墨淬炼的同时，注重民间艺术元素的汲取和雅化，努力从中寻找一种最本真的感觉，并试图以此建构自我价值的表达。

“灵性是一个人最值得珍惜的东西。”

一位美术评论家对此这样评论。或许，这会成为每一位观展者和鉴赏者的共识。

接山东书协通知：《绿化长江》捐赠作品四尺整张竖幅。手抄《茶文》数则 。

近期的一张创作，也是对付朋友新家墙壁的。