造型艺术

18世纪德国哲学家莱辛在《拉奥孔》中开始用这一名词。在德语中造型（bilden）原义谓“模写”（abbilden）或“制作似像”（eild machen）。在我国建国后由苏联传入，并与“美术”互用。

       造型艺术包括建筑、雕塑、绘画、工艺美术、设计、书法、篆刻等种类。它通称美术。造型即创造形体，是美术的主要特征。 我国20世纪以后才广泛使用。它将书法、篆刻纳入其外延。造型艺术的特征是与其相对的概念——音响艺术相比较而言。区别在于前者以可视的物质材料表现形象；后者以语音和乐音表现形象或情感。另外前者总存在于一定空间中，以静止的形式表现动态过程，依赖视觉感受，又被称为空间艺术、静态艺术、视觉艺术。与之相对的音响艺术称时间艺术、动态艺术、听觉艺术。造型艺术的上述特征都是由其使用的材料和表现手段决定的，造型艺术的概念将其通通包容在内，故而被认为最适当的名称。至于造型艺术的分类，T.利普斯将其分为形象艺术 、抽象的空间艺术 。后者也常简称空间艺术，但比普通意义的空间艺术狭窄。形象艺术指再现自然或社会的具体形象和观念形象化的绘画、雕塑，抽象的空间艺术指以抽象的空间和体积构成的工艺美术和各种设计等。造型艺术的特点为再现，M.弗尔沃林将其又区分为再现自然和再现观念的两种，分别称物体造型和观念造型。并认为，旧石器时代的造型艺术是物体造型；新石器时代以后，随着抽象思维的发展，才形成观念造型。之后，在造型艺术发展史上这两种类型并存，各自发展又相互融合。

                                    行为艺术

        行为艺术，亦称行动艺术、身体艺术、表演艺术等，国外通用的用法是Performance Art，是以艺术家自己的身体为基准材料的行为表演，通过艺术家的自身身体的体验来达到一种人与物、与环境的交流，同时经由这种交流传达出一些非视觉审美性的内涵。

   概论　；　行为艺术是在特定的时间和地点，由个人或群体行为构成的一门艺术。行为艺术必须包含以下4项基本元素，除此之外不受任何其他限制：时间，地点，行为艺术者的身体，以及与观众的交流。该艺术不同于绘画、雕塑等仅由单个事物构成的艺术。

　　虽说理论上行为艺术可以包含一些相对而言更为主流的活动，比如：杂耍、喷火、体操等杂技，以及戏剧、舞蹈、音乐等，但这些一般归为表演艺术。行为艺术通常仅指视觉艺术范畴中前卫派（avant-garde）或观念艺术（conceptual art）的一种。

           　
    起源；行为艺术，是20世纪五、六十年代兴起于欧洲兴起的现代艺术形态之一。它是指艺术家把现实本身作为艺术创造的媒介，并以一定的时间延续。

　　行为艺术的鼻祖是法国著名艺术家伊夫-克莱恩(Yves Klein，1928-1962)。1961年，他张开双臂从高楼自由落体而下，把这称作《自由坠落》。

       特征；特定的环境和含义为依托而进行艺术创造活动的艺术形态。行为艺术相较于架上绘画、传统雕塑等艺术注重艺术行为的结果留存而言，它更是强调、注重艺术家的行为过程意义，是典型的具有表演性特征的过程艺术形态。作为行为艺术家，大多坚信——艺术家个人的艺术创造自由。

　　其次，艺术泛化性特征。行为艺术家以自己特有的艺术创造行为过程展示，把传统艺术从高不可攀的、精英文化高度的神圣殿堂，摆放到了普通观众心目中的“不过如此”的“平淡”状态。尤其在有的作品中，还请一般观众参与，这就更消解了艺术家与观众之间的心理距离。增强了观者对艺术创造行为的认同感，同时，行为艺术强调的是行为过程，这在客观上，就把艺术注重行为结果的单一视域拓展到了充分认识、注重艺术行为过程的领域。从而有助于人们完整地认识人类艺术整体行为的，合乎艺术规律性和目的性的发展运动。最后，行为艺术具有平凡中的艺术深刻性特征。即是说，行为艺术是行为艺术家“有意味的”行为过程展示艺术。我们讲行为艺术打破了“艺术与非艺术”、“艺术与生活”的传统界线，行为艺术家曾邀请观众参与到其具体作品中去共同创造艺术作品。

　　关于行为艺术的讨论

　　行为艺术其实也就是当代实验艺术中的一种类型，但是，由于近一二年来，有一些在视觉上比较"刺激"的行为艺术作品被冠上"病态"、"血腥"、"暴力"等称谓之后，不仅在"圈"内，同时在社会上也引起了很多争议。在这个过程中，由于"行为艺术"的现场性、直接性的特点，在事后仅仅靠几张照片很难来完整地反映某个作品的具体实际情况，所以难免会引起别人对于行为艺术理解的片面性。

　　关于"行为艺术"的讨论进行到现在，已经在艺术界和社会范围内引起了一定的反响。但是，问题的关键是在这场讨论中，我们的一些大众媒体包括一些专业刊物在这场讨论中一直没有对所谓的"行为艺术"进行客观、公正、全面的介绍，道听途说、以偏概全式的报道误导了大众包括一些专业人士对于"行为艺术"的了解。

　　我们要客观、公正地讨论这些艺术现象，就必须要提供给业内人士包括一些对前卫艺术有兴趣的网友全面了解这些作品以及与"行为艺术"有关的评论文章和知识背景，这对于我们冷静、理性地对这一现象进行评论会有所帮助。

　　行为艺术采取很夸张的表现手法，用行为来表达人对世界的看法。这些行为有的是美的，有的是丑的，但不是人在正常状态下有的。

　　自行为艺术出现在中国以来，由于和中国人的审美观、道德观以及社会传统反差较大，始终是人们争论的焦点，在“行为艺术”的发展中部分创作者更以自虐、伤害、鲜血等极端行为作为表达的主要方式，直接挑战人性和道德的极限。我们在这里列举，希望可以拓宽我们对于艺术、人的生活乃至生命的思考。

　　行为艺术在我国

　　所谓行为艺术是一种艺术家用思维和行为过程来进行创作的艺术形式，现代行为艺术兴起于西方，是西方当代社会的一个奇特现象，行为艺术在本质上可以定义为一种自由的生命活动。

　　中国的行为艺术是中国艺术现代化进程中向西方拿来的一种艺术形式，从1985年新潮美术时期 （1985—1989）　它就已出现。这一时期宋永平、宋永红兄弟的“一个场景的体验”、丁乙等人的“街头布雕”等具有行为展演倾向的艺术活动，普遍采用包扎或自虐的方式，这与80年代年轻艺术家企图通过反文明、反艺术的手段来求得精神自由的价值取向有关，透露出对“文革”、对精神压抑的反抗，表达了艺术家寻求思想解放的时代愿望。

　　90年代行为艺术

　　90年代行为艺术大致可以分为两种：一种是由艺术家参与社会活动的行为过程，一种是艺术家展现自身生存生活状态的行为活动。

　　第一种往往是规模较大、参与人数较多、涉及面较广的社会性行为，例如有一群艺术家从大都市来到贫困山区，在老乡家的炕头上创作，用来表达艺术家们厌恶商业文化希冀回归自然的心态，这整个过程就是一项行为艺术；一个名为“新历史小组”的团体出售自制的“集邮牛仔服”和著名企业家肖像画，用来说明消费时代艺术家与艺术欣赏者的关系；更有人把成千上万的红伞挂在公园的树上，让游人漫步其中，使观众成为行为艺术的一部分。或许您在不经意间也搞了一把行为艺术呢。但是这种行为艺术在进入日常生活的同时，也往往受社会、市场、公共秩序甚至法律的限制，所以这种行为艺术目前很难举行大规模的活动。

　　第二种形式，因为是艺术家展现自己生存生活状态的行为艺术，所以越来越成为行为艺术家热衷的形式和手段之一，结果就有了赵半狄与玩具熊猫就环保问题展开对话；舒勇在情人节找花草树木谈情说爱；王晋与一头骡子结婚等千奇百怪、层出不穷的行为艺术与行为艺术家。

　　在当下这个多元文化的时代，行为艺术作为艺术的一种形式，理所当然地进入了我们的生活，但当生活被艺术家们作为艺术呈现在我们面前时，却又是那么出忽我们意料，甚至远远超越了我们对常态生活的理解，猛烈地撞击着我们感官和精神的承受极限。他们用艺术的方式对我们的生活进行追问：我们是谁？我们在干什么？我们要往何处去？但同时我们也对艺术的底线提出了巨大的疑问.

　　回望几百年前的传统艺术家，伟大的在历史上留名者往往反映当代现实者，行为艺术作为当代新兴艺术形式，更应该担当起这个责任，可以嬉笑怒骂，可以玩世不恭，可以做很多出乎人们预料的事情，不怕引起争议，不怕当局禁止。艺术是个很伟大但却很平凡的东西。再看如今中国行为艺术，普遍并没有平凡化，恰恰相反，一个个都装得高深莫测。行为艺术是需要观众的，当绝大部分观众对其厌恶反感的时候，此时的艺术已不能称之为艺术。血腥暴力色情并不是人们审美情调的主体，过多靠渲染如此的小众群体者，在人们普遍审美情趣上便大打折扣，甚至可以说即使很多参与行为艺术的人自己本身便不以为然。

　　通过行为艺术的含义解释我们可以了解到，非视觉审美性就的审美，既行为含义审美，这种形式有些类似中国水墨写意的意思，重点是在一个意字。这个意字必须服从于审美性之下。而一般从学富五车的学者到大字不识者心中，都有一个人类普遍审美性，也就是非丑恶性，这是个人类共性，不丑既为美。当人们在审视他所看到的行为艺术作品时，当所看到的作品超出这个审美共性时便会感觉难受，厌恶。而中国当代行为艺术作品很是不乏此类作品，这也是中国当代行为艺术糟人非议的原因。这种现象最终将导致行为艺术为大众所难以接受，影响行为艺术本身的前途。

我国当代的行为艺术的开端

　　我国当代的行为艺术发端于1979年的星星美展。1989年中国现代艺术展上，行为艺术以不速之客的方式在展览会上亮相，立即引起新闻媒体的关注。由于行为艺术抢了现代艺术大展的风头，在圈内遭到排挤。随后，由于政治原因行为艺术家们一直处于地下状态。1995年，世界妇女大会期间，一位美国女艺术家，来到中国，周游了北京、上海之后，去了成都。当时成都市政府正在治理护城河，并且把这一工程作为政府的头号工程。这位既是行为艺术家同时也是一位环保主义者的贝特西·达蒙女士，通过成都市环保局，以保卫水的名义，在成都街头成功举行了一次行为艺术活动。由于这次活动有政府的支持，新闻媒体也放开了手脚，对公开出现在成都繁华地段的行为艺术进行了大肆报道。从此行为艺术以正面的形象在中国大陆粉墨登场。这次活动邀请了中国和美国近10位艺术家参与。中国艺术家尹秀珍、曾循、戴光郁的作品备受关注。成都也因此成为了行为艺术的前沿阵地。 2005年4月13日下午4时 成都大学生大胆上演裸体行为艺术，成都南郊牧马山高尔夫球场一侧草坪上演了一幕名为《@41》的行为艺术：以四川音乐学院成都美术学院（川音成都美院）为主体的41位在校男女学生露天全裸，以身体组成电子邮件符号“@”。（本文参考了有关文、资料）

如何鉴别宋代五大名窑

我国宋代陶瓷工艺相当发达，名窑很多，最著名的有五处：汝窑、官窑、哥窑、定窑、均窑。

汝窑在河南汝州（今临汝），以淡青瓷为主，也有象铜器那样的茶末色。装饰朴素，通常是花草的暗纹。

官窑是宋徽宗在汴京(今河南开封)所设置的窑，眙釉较薄，在月白、粉青、大绿等色。南宋是时又在临安（今杭州）设官窑，仍照宋官窑烧制，但质量较差。

哥窑在浙江龙泉。当时哟章生一、章生二兄弟二人都善烧窑、哥窑是指哥哥章生一的窑；其特点是胎细体重，釉一米以色和豆绿为主，表明呈断裂纹。章生二的要称弟窑，也叫龙泉窑；釉分粉青 翠青等色，表面没有断裂纹样。

定窑没在河北定州（今曲阜）。窑体轻质薄，在麦瓷和刻花划花印花四种，纹样大都为牡丹 萱草 飞凤 盘螭之类，非常精丽。南宋时在景德镇烧的窑叫南宝，因釉白如粉，也叫粉宝。

均窑在河南钓台（今禹县）。瓷胎釉厚重，颜色鲜丽 变化很多有玫瑰紫 胭脂红 朱砂红 葱绿 紫黑要变等色，以胭脂红 朱砂红最名贵。

宋窑除上面简叙的五大窑外，而有平阳窑、耀窑、磁窑、建窑、广窑等，都很著名。 (此文为2002年中南大学团委原创讲稿转载必究)

荷兰画家伦勃朗和绘画风格

          伦勃朗(Rembrandt 1606～1669)1606年7月15日生于莱顿，1669年10月4日卒于阿姆斯特丹。其画作体裁广泛，擅长肖像画、风景画、风俗画、宗教画、历史画等。自画像莱顿时期（约1625～1631）作品采取强烈的明暗对比画法，用光线塑造形体，画面层次丰富，富有戏剧性。

           伦勃朗生于荷兰莱顿，父亲是磨坊主，母亲是面包师的女儿，他们共有九个孩子。

           伦勃朗14岁进莱顿大学；17岁去阿姆斯特丹向历史画家拉斯特曼学画；1627年21岁时已经基本掌握油画、素描和蚀刻画的技巧并发展了自己的风格，回家乡自己开画室招徒作画，期间画了许多自画像；1631年离开莱顿去阿姆斯特丹，30年代就成为阿姆斯特丹的主要肖像画家。他的肖像画风格人物安排具有戏剧性，深深打动人心，他以神话和宗教故事为题材的作品供不应求。他对戏剧很感兴趣，经常利用如同舞台高光的亮色描绘在阴暗背景下的人物。1650年代后，他的画更为宽阔有力，利用迭色使画面更加有立体感。

从1640年代开始，他经常到乡村漫步和作画，创作了许多反映大自然的素描和版画，风格质朴。1661年是他作画最多的一年，1663年以后就作画较少，结交了许多中下阶层的市民，眼界更为开阔，技巧更为成熟，创造力达到顶峰。

伦勃朗和他的妻子生有4个孩子，只有最小的一个存活，但他妻子在生孩子后不久去世，他和女仆住在一起，女仆为他生了一个女儿，为此受到教会的正式谴责为“罪恶的生活”。由于他为了画画经常采购大量的衣物和绘画工具，从不计较财产，所以很快就到了破产的边缘。1669年他在贫病中去世，身边只有女儿陪伴，死后葬在西教堂一个无名墓地中。
            伦勃朗在绘画史——不独是荷兰的而是全欧的绘画史上所占的地位，是与意大利文艺复兴诸巨匠不相上下的。他所代表的是北欧的民族性与民族天才。造成伦勃朗的伟大的面目的，是表现他的特殊心魂的一种特殊技术：光暗。这名辞，一经用来谈到这位画家时，便具有一种特别的意义。换言之，伦勃朗的光暗和文艺复兴期意大利作家的光暗是含着绝然不同的作用的。法国十九世纪画家兼批评家弗罗芒坦（Fromentin)目他为“夜光虫”。又有人说他以黑暗来绘成光明。
卢浮宫中藏有两幅被认为代表作的画《木匠家庭》《以马忤斯的晚餐》，我们正可以把它们用来了解伦式氏的“光暗”的真际。

1640～1648年，个人生活的不幸和折磨，使他更深刻地去观察和理解社会，艺术创作也进入一个深化的阶段。1642年儿子去世使他悲痛万分，而《夜巡》（藏阿姆斯特丹国立博物馆）的问世，一开始又不被人理解，这幅带有风俗画和历史画性质，可以使人回忆起往昔荷兰人民反抗异族统治斗争的史诗性杰作，因其进一步突破了传统画法，开始不被订画者接收，一度形成僵局。此时期他的其他作品，也像《夜巡》一样采用更加接近舞台效果的表现手法，含蓄地描绘画面上的主要人物，因而不像30年代那样受到上层社会人士的欢迎，以致生活越来越困难。《夜巡》晚年（1648～1669）伦勃朗晚年生活困难，家产被拍卖，油画作品买主不多，只有宗教题材的蚀刻版画还有人订制。其中一幅取名《100荷币版画》的作品，就是依其售价而定名的。这时期他最著名的作品是描绘荷兰古代英雄C.西菲利斯反抗罗马暴政的《西菲利斯的密谋》和《呢商同业公会理事》（藏阿姆斯特丹国立博物馆）的团体肖像。前一幅具有纪念碑式气魄，可惜现只存一块残片，藏于斯德哥尔摩国立博物馆；后一幅因表现了因人而异的外貌性格特征，成为他的不朽之作。家庭的不幸和一系列折磨并未摧毁这位倔强的老人，他始终坚持自己的艺术主张和创作方法，直至逝世前还画出了《浪子回头》、《扫罗与大卫》等名画。据20世纪60年代统计，他一生留下600多幅油画，300多幅蚀版画和2000多幅素描，几乎画了100多幅自画像，而且几乎他所有的家人都在他的画中出现过。70年代以后还陆续有新的发现。
（本文参考了有关文献史料）

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Stratovarius成立于1984年，由三个来自芬兰、赫尔辛基的三个年轻人组成，他们分别是鼓手兼主唱Tuomo Lassila，贝斯手John Vihervaauml以及吉他手Staffan Straaringahlman。在他们正式取名为Stratovarius之前这三人以Black Water的名字对外演出。

Forever
I stand alone in the darkness .............. 独自伫立在凄冷的夜
The winter of my life came so fast ......... 生命的寒冬铺天盖地的来
Memories go back to childhood .............. 童年的回忆充满馨香
to days I still recall ..................... 至今让我难忘怀
Oh how happy I was then ? .................. 噢!那时我是多么欢快

There was no sorrow there was no pain....... 没有痛苦 没有哀愁
Walking through the green fields ........... 漫步在葱绿无垠的田头
Sunshine in my eyes ........................ 阳光如金跃入眼眸

I’m still there everywhere ................ 无论身在何方 我心永在记忆的深秋
I’m the dust in the wind .................. 我是风中一粒尘
I’m the star in the northern sky .......... 我是北天一颗星
I never stayed anywhere .................... 天涯海角无处停留
I’m the wind in the trees ................. 我只是穿越树叶一缕风
Would you wait for me forever? ............. 你是否会在孤寂的街口等我?

        在艺者眼中，一切都是美的，因为他锐利的慧眼，能注视到一切众生万物之核心，能 透入外形触及其内在的真和美。
　　生命之泉，是由心中飞涌的；生命之花，是来自内而向外开放的。同样，在美丽的雕刻中，常潜伏着强烈的内心的颤动。艺者的德性是智慧，专注，真诚，意志。做艺术家，先要从人做起。

    《罗丹艺术论》是对欧洲雕塑史的科学总结，又是个人经验的精练概括，其中贯穿着罗丹对前人的崇敬、对作品的卓见和创作的喜悦、深思的刻痕、展现了对自然界的热情。　　 　　
      奥古斯特·罗丹（Auguste Rodin 1840-1917）法国（巴黎）杰出的现实主义雕塑家。平民出生。十四岁学画，十八岁师从动物雕塑家巴里（barye），1840年至1870年间在著名雕塑家卡里耶－贝勒斯（Carrier-Belleuse）工作室工作。1875年游意大利，研究多那太罗、吉贝尔蒂和米开朗琪罗等大师的作品，风格现实，对雕塑创作艺术作了根本性的变革，深切的感受和创作，塑造了大量的具有生命力的艺术形象，并赋予深刻的心理内涵和社会意义。他的作品。对世界雕塑的发展起到了重大的影响。代表作品有《青铜时代》《加莱义民》《雨果》《巴尔扎克》《思想者》和丑的精美的《欧米哀尔》等。羅丹的著作有《羅丹藝術論》和《法兰西大教堂》。《羅丹藝術論》一书我国解放前曾有译本，书题“美术论”。《羅丹藝術論》是羅丹口授，葛尔赛（Paul gsell）笔记，成书于羅丹的晚年。

                                           魏林1997年笔于深圳大学