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2012-05-26 1:07

当代艺术,或我们手里正在搞的艺术,是一种元政治,是一种重新配方后的艺术,是要将一种与艺术无关的东西硬塞到艺术中去,是要又一次打破刚建立起来的艺术与非艺术之间的边界;艺术与非艺术之间的边界时时在变。现代主义先锋派是要使艺术向无限的可能性开放(朗西埃,《疲》,208-209)。

 
2012-05-24 23:22

1-Now, that Harmonious Architectural unit, inclusive of the arts in general, is no mere dream. I have said that it is only in these later times that it has become extinct: until the rise of modern society, no Civilisation, no Barbarism has been without it in some form; but it reached its fullest development in the Middle Ages, an epoch really more remote from our modern habits of life and thought than the older civilisations were, though an important part of its life was carried on in our own country by men of our own blood.

 

2-Gothic Architecture is the most completely organic form of the Art which the world has seen; the break in the thread of tradition could only occur there: all the former developments tended thitherward, and to ignore this fact and attempt to catch up the thread before that point was reached, would be a mere piece of artificiality, betokening, not new birth, but a corruption into mere whim of the ancient traditions.

 

3-For now Gothic Architecture had completed its furniture: Dante, Chaucer, Petrarch; the German Hero ballad-epics, the French Romances, the English Forest-ballads, that epic of revolt, as it has been called, the Icelandic Sagas, Froissart and the Chroniclers, represented its literature. Its painting embraces a host of names (of Italy and Flanders chiefly) the two great realists Giotto and Van Eyck at their head: but every village has its painter, its carvers, its actors even; every man who produces works of handicraft is an artist. The few pieces of household goods left of its wreckage are marvels of beauty; its woven cloths and embroideries are worthy of its loveliest building, its pictures and ornamented books would be enough in themselves to make a great period of art, so excellent they are in epic intention, in completeness of unerring decoration, and in marvellous skill of hand. In short, those masterpieces of noble building, those specimens of architecture, as we call them, the sight of which makes the holiday of our lives to-day, are the standard of the whole art of those times, and tell the story of all the completeness of art in the heyday of life, as well as that of the sad story which follows. For when anything human has arrived at quasi-completion there remains for it decay and death, in order that the new thing may be born from it; and this wonderful joyous art of the Middle Ages could by no means escape its fate.

 

4-This used once to puzzle me in the presence of one of the so-called masterpieces of the New Bible, the revived classical style, such a building as St Paul's in London, for example. I have found it difficult to put myself in the frame of mind which could accept such a work as a substitute for even the latest and worst Gothic building. Such taste seemed to me like the taste of a man who should prefer his lady-love bald. But now I know that it was not a matter of choice on the part of any one then alive who had an eye for beauty: if the change had been made on the grounds of beauty it would be wholly inexplicable; but it was not so. In the early days of the Renaissance there were artists possessed of the highest qualities; but those great men (whose greatness, mind you, was only in work not carried out by co-operation, painting, and sculpture for the most part) were really but the fruit of the blossoming-time, the Gothic period; as was abundantly proved by the succeeding periods of the Renaissance, which produced nothing but inanity and plausibility in all the arts. A few individual artists were great truly; but artists were no longer the masters of art, because the people had ceased to be artists: its masters were pedants. St Peter's in Rome, St Paul's in London, were not built to be beautiful, or to be beautiful and convenient. They were not built to be homes of the citizens in their moments of exaltation, their supreme grief or supreme hope, but to be proper, respectable, and therefore to show the due amount of cultivation and knowledge of the only peoples and times that in the minds of their ignorant builders were not ignorant barbarians. They were built to be the homes of a decent unenthusiastic ecclesiasticism, of those whom we sometimes call Dons now-a-days. Beauty and romance were outside the aspirations of their builders. Nor could it have been otherwise in those days; for, once again, architectural beauty is the result of the harmonious and intelligent co-operation of the whole body of people engaged in producing the work of the workman; and by the time that the changeling New Birth was grown to be a vigorous imp, such workmen no longer existed. By that time Europe had begun to transform the great army of artist-craftsmen, who had produced the beauty of her cities, her churches, manor-houses and cottages, into an enormous stock of human machines, who had little chance of earning a bare livelihood if they lingered over their toil to think of what they were doing: who were not asked to think, paid to think, or allowed to think. That invention we have, I should hope, about perfected by this time, and it must soon give place to a new one.

 

 5-I want you to see that from the brief historic review of the progress of the Arts it results that to-day there is only one style of Architecture on which it is possible to found a true living art, which is free to adapt itself to the varying conditions of social life, climate, and so forth, and that that style is Gothic architecture. The greater part of what we now call architecture is but an imitation of an imitation of an imitation, the result of a tradition of dull respectability, or of foolish whims without root or growth in them.

 

6-A Greek columnar temple when it was a real thing, was a kind of holy railing built round a shrine: these things the people of that day wanted, and they naturally took the form of a Greek Temple under the climate of Greece and given the mood of its people. But do we want those things? If so, I should like to know what for. And if we pretend we do and so force a Greek Temple on a modern city, we produce such a gross piece of ugly absurdity as you may see spanning the Lochs at Edinburgh. In these islands we want a roof and walls with windows cut in them; and these things a Greek Temple does not pretend to give us.

 

7-an organic style cannot spring out of an eclectic one, but only from an organic one. In the future, therefore, our style of architecture must be Gothic Architecture.

8-Art cannot be dead so long as we feel the lack of it, I say: and though we shall probably try many roundabout ways for filling up the lack; yet we shall at last be driven into the one right way of concluding that in spite of all risks, and all losses, unhappy and slavish work must come to an end. In that day we shall take Gothic Architecture by the hand, and know it for what it was and what it is.

 
2012-05-24 17:00

1-现代主义范式下,艺术自治是唯一目标。他们将诗当作是共同体的新的邮戳,将绘画当作新的大艺术的科学基础。 他们将纯形式当作建构大厦的块件,从新生活里去找出它们。他们想要实现诗、绘画和音乐的同步。他们寻找一种新的精神性。这一现代主义倾向,可被称作马拉美-马勒维奇-Seurat-蒙德里安或勋伯格序列。象征主义、至上主义、共时主义、未来主义、构成主义和超现实主义汇合,共同任务是:建构一个新的感性世界(《疲倦者们活该》,564)。

在今天,为什么中国的艺术家们还对这个序列有兴趣?因为,它是他们反对革命政党的退化和反动的基本立足点,他们还想以这个为根据地,来寻求解放。这一列在后现代主义思潮和反美学姿态中,都体现了。

朗西埃反对这种自我清高的先锋主义态度。他认为,我们在这一序列里过多地重视格林伯格这样的对先锋派的神学态度。他也认为,我们过多重视了杜尚,将它当作后现代主义之神了。艺术自治的鼓吹者、新崇高的鼓吹者(利奥塔主义者)和后现代主义者的已疲倦的挑逗者们,在理论上,都是前后不一贯的(564-565)。

2-

 

 
2012-05-24 0:25

1-新的音乐,将来自对思想、音乐和空间的重新整合;新艺术是对于这种整合哈的合成的最新部署。未来的活的艺术(《审美》,222)。

2-我们的身体,才是未来的艺术的作者兼主演;不是我们将今天的作品带到未来,而是受过这些作品的洗礼的我们的身体,在未来成为主演,成为作者,去演出新的作品。我们的身体才是今天 的艺术和未来的艺术之间的传导媒介。

 
2012-05-19 18:11

1-分开严肃艺术和大众艺术的,是资本主义这一黑手。艺术自治的口号,是加剧了这种分裂,是玩到资本主义装置的手中了。

2-格林伯格认为,“媚俗是工业革命的产物,它将西欧和美国的群众城市化,确立了一种普遍的字母主义。而那能与大众文化区分开来的唯一的形式文化,却掉进这样一群人中间:由于知道了读和写了种处境,就懒懒地休闲于现存的主导文化也就是大众文化中了......农民在城里呆了下来,小资产阶级为了功利,而学会了读和写,却得不到闲暇和舒适,去把玩传统的城市文化......虽然很快就对大众文化失去兴趣......就发现了一种新的表达自己的无聊的能力。城市的新群众于是就强烈要求社会给他们搞出来一种适合于其用途的文化形式来(《先锋与媚俗》,11-12)”。这段话里,格林伯格竟在责怪进城的青年男女学会了读和写,为了自己的功利和趣味,只喜欢那些俗艳的东西,而将伟大的艺术也当作了装点他们的日常生活的饰品。这个流行的看法,几乎是挂在每一个艺术教授的嘴上。

3-朗西埃坚决反对这一看法,认为:“新艺术必须与普遍生活的所有震荡共鸣:它必须是这样一种艺术:它能同时将工业的正在加快的节奏、社会的节奏、城市生活的节奏结合到一起,使普通生活中的最普通的东西,都能无限地一起共鸣(《审》,307)。”

 
2012-05-18 2:13

1-为什么需要文化“大”革命?阿都塞也是到了1968年,才看清:学生的反抗运动,哪怕红卫兵运动,也都只是“呼吸于主导意识形态、但并不自知身在其中,结果就受了科学的权威和党的威权的再教育的小资产阶级牺牲品们搞的运动”(朗西埃《来自阿都塞一课》,11)。必须有一场真正激进的文化革命,也才能解放红卫兵们。最悲惨 者莫过于受压迫者们反而为正盘剥和压迫他们的主导意识形态唱赞歌的了。

2-阿都塞和布迪厄认为,被主导者因看不明白那一主导法则,就被主导了,知识分子的任务因此就成了将科学送到被蒙住双眼的群众手里了。启蒙很多年,他们就发展出一种怨恨群众不争气的思想,要来宣布无知的群众无法与他们自己的幻觉作斗争,永无将命运捏到自己手时的一天,所以,就需要他们的启蒙和引导和带领。朗西埃的看法是:无知群众的能力,才是平等解放的基础,不宣布群众的智力平等,解放永无可能。

3-朗西埃认为,所有的革命思想,都应该建立在与阿都塞和布迪厄所认为的那种相反的基础上:被主导者的能力或智力,才是解放的基础,是起点。“而在这个时代,这一平等式解放,我是没法不认同到中国文化大革命那些标语所倡导的那些平等要求上。我的这本书取了中国文革中流行的那些看法:反威权、使群众的能力与党、国的权力对立(《阿》,13)”。

4-“历史的纵深正将我们带到评价这一文化大革命的主演身上的自动的发起能力的局限之上。它让我们看到了用体力劳动来使知识分子接受再教育这事儿的惩罚性质。可是,我又不得不说,这一知识分子的再教育,与西方对于劳动分工的那些批判,竟是那么地合拍。在这一点上说,我这本书(《阿》)不幸以那些下乡劳动的中国知识分子为代价,来证实了这样一个论点:不与受压迫者的理性相结合的颠覆式理论,是不存在的(《阿》,13)。”这段话直通朗西埃的政治-审美思想的核心,也第一次让我看到他自己宣称的与毛泽东关于革命和教育的立场的直接关联。他写了整整一页来很别扭地讲对文革看法,生怕我们误解他对文革的这一看法。

5-这些立场也许会刺激我们,但, 德波尔、朗西埃们认为文革都不够搞得彻底的看法(德波尔认为中国文革不彻底,只是共党自身的“官僚意识形态”卡壳了),可用我们当前的意识形态泥潭来见证:被称得上南方周末式理性的,也只是对于广大群众的智力奴役:这一知识分子式理性,主导秩序是让韩寒式公知们当共同现实和共同信仰来强加到我们头上。

6-文革式地预设所有人都有自我解放的能力,才能给我们我们今天的思想带来力量,也才能给我们的平等-解放政治带来活力。当前正在不断地裂变,过去也一样:文革的现实,就是今天的现实;文革时的两阵对立,也是两个阶级的对立,在今天被转译成富得发臭的极少数和人类巨量大多数的对抗,毛泽东在的话,一定更看清得不由分说。

 

 
2012-05-16 17:04

1-为了要让艺术发生出来,必须先有一个审美图式,来将两种技能拉到一起,并将这两种技术能所要作用的材料,和它们所生产出的东西拉到一起,使它们走到一起,去生产出一种新的感性纤维。国此,艺术的的媒介总是超出一门艺术自身的资源(朗西埃《审美》,229-230)。

 
2012-05-16 16:49

1-知识分子由于观念和混乱或被意识形态拖下水,而陷入无尽的争执,这是“理论上的悲惨(la misere theoreque)(《来自阿都萨的一课》,63)”。

这是知识分子自己先被理论所困,陷于理论上的困难和麻烦之中。理论总是不足以将他们从所陷的悲惨中拖出来。想做理论,发现自己先是陷在理论的泥淖中不能自拔。想做理论,开始那个开始,都极其困难甚至不可能。

2-在阿都塞看来,法国的议会民主政治是一种外省主义(乡愿主义,provicialisme)(同上),而百姓是被资产阶级意识形态绑架,哪怕在抗议时,表面在反对主导意识形态,实质是哪怕他们的反抗,也是在这种意识形态服务。

3-因此,在阿都塞看来,政治理性只有在中国和古巴才是在不断的形态的发展中的。

 
2012-05-05 18:04

1-审美是从观众这一角度讲的。审美,是指观众在开始其知觉(视觉生产)前必须先具有的先验条件,和之后的知觉生产能力。

2-在现代主义艺术实践中,审美与艺术越来越被分开。在当代,两个著名的思想家对审美有对立的态度。阿甘本认为审美是沙漠之地了,必须回到人的思想潜能中,不能依赖人的审美能力来进行本来应该由思想来完成的事儿。

而朗西埃取相反的立场,认为审美是异感和异议的生产之地,是政治和艺术的共同的诞生之地。审美对于他是大于政治。

3-艺术与理论在现代主义艺术尤其是其先锋派实践中被越来越分离。这两者真的是隔开的吗?

理论生产本身已越来越僵化,如何来激活它?

通过审美活动,也就是用新的媒介方式不断将各种不同的玩家和实践拉进来,打破原来的等级秩序,甚至打破艺术与理论之间的分离状态。

只有将艺术和理论放在一起搞,艺术家也同时去成为理论家,才能搞好理论了,也最终才能搞好艺术。理论也是大家一起搞出来的。

4-爱森斯坦的《资本论》计划,就是这样一种尝试:用电影这种生产方式去统摄我们的理论劳动,使每一个参与者都能得到他自己的理论。我们今天拾起他的工作,就是为了在做艺术时去关注更宽广和理论实践,或在更宽广的理论实践背景下,去从事自己的艺术活动。

电影使艺术加理论大于艺术,也大于理论。理论在电影中被审美地完成。

 
2012-04-29 1:51

1-知识神父们受不了民主人在微博上吵得天翻地覆,他们就想制服民主的无秩,给真正的政治找到基础。他们做不到,也只有通过这种无秩,才能民主地压服这种无秩,这困难到不可能。这在欧洲发生了。

2-在中国,则是民主还未到来,赵鼎新和许纪霖就在担心这种民主了,而他们是一直在为我们可怜的国人呼求民主的!

这是当前的新状况:原来到处为民从呼求民主的公知们,开始害怕和仇恨民主了。朗西埃说,这在欧洲是常态(《恨民主》,53)。

3-搞政治不是要依靠君父、长幼、富贫、力量和科学,来获得统治的权威,政治首先基于一种“无政府主义式”民主,基于一种无基础之上:没有任何统治的资格的人,来统治了。

4-至今为止的政治哲学无脸来告诉我们如何搞民主。典型的,柏拉图在《高尔吉亚》中指出,应该让有美德的人来统治。那什么是美德呢?就是知道得更多,更有知识或懂科学!

5-当前的民主乱局是令我们安心的。好民主开始于现在的从西方到东方的一片乱民主之中。

 
2012-04-24 17:40

1-民主本身并没有危机,但民主的含义和我们对它的贬低之间的沟,是深来越深了。

2-人们的弃权票和投抗议票,表明大家是在期一种激进的未来。

3-政治首先事关我们对于某些原则问题的“模糊”情感:我们在拿一样的钱吗?重要的事情为什么必须是那些混进了政府,进了好学校拿到好执照的人来定夺?这样下去行吗?人们投票时,会想着这样的一些含糊问题。但民主就是关于这样的情感上的事的。

4-如今,大众媒体制造出一种总统,是如苹果公司发布一款新产品那么容易了。它是消遣。连左派都在里面投票,以为从中能发出他们的声音(“选举与民主理性”)。

5-据说是个人的理性选择,把自己问题和盘托出,找出一个候选人来做听众。总统大选是将个人的理性选择和集体的共同决断隔开的最好例子。这么多人做决定,于是那个最重要的决定就不用做出,大家都以为自己已决断过了。

 
2012-04-23 17:57

1-现代主义先锋运动是终结于波普运动和极少主义,后两者依稀反映在我们时代的概念主义艺术中。依稀?它稀薄了,但它几乎蔓延到了每一个人身上!格罗伊斯说,这时代里,所有上网者,都是拿着剪刀和浆糊或鼠标的概念主义艺术家了(“导言:全球概念艺术重访”)。

下面将综合格罗伊斯在这篇论文和“生物政治时代之艺术”和“从图像到图像文件”等文章里的立场,来描述出一个关于在人人都成了概念主义艺术家的今天的艺术与政治之间的大地形。

2-沿着格氏的立场,我们可以这样往下说:人人都是概念主义艺术家,都在网上展览着了,公共和私人空间的保守和局限性,是一定要反思和批判的,后者几乎成为对艺术机构的拯救。那么,为什么还应该在传统的艺术空间和装置里去做展示?

格罗伊斯的回答力度很弱:仅仅只是为了使我们这些概念主义艺术家在传统美术空间或装置里,去展出和自我观照,可以在很多个屏幕和投影前徘徊,而不是只在起居室盯住一屏幕, 误认为一切都是从屏幕里出来的。同时在看别人在看屏幕时,也让自己被别人看见,既检阅,又被检阅;否则,永远宅在家里,我们这些概念主义艺术家就会自生自灭地消失的。传统美术空间唯一功能,在格罗伊斯看来,似乎就是去展示这些上网的概念主义艺术家的身体可见性,来带给自己鼓舞了!

3-相比之下,艺术家就比较麻烦。他们不好就这样永远宅在美术馆里没出息下去的,是伐?传统美术馆成了网上概念主义艺术家们出柜、邂逅、联合和起&&义的工具,艺术家的传统地盘去除人此被挤掉。声称自己是专门在做艺术的艺术家,也就是艺术式艺术家们应该怎么办?

格罗伊斯暗示:今天的艺术家应该而且已经在离开特定的艺术场域和空间,他们应该勇敢地冲进那个“全球政治和社会舞台”。艺术家也可以把追求某些政治和社会目标,当作作品来做了。这样做的时候,他们仍不失为艺术家。我们会说,艺术家去搞政治,那一定很可疑,一搞就搞得像Aiww未那样不可收场,不像炒作,但也不像投身,最终成了大众媒体嘴里的海蜇头。他们的计划往往未能实现,中间会有不确定、挫折、失败。但是,政客们难道挫折和失败就少了?格罗伊斯作出了很尖锐的一个区别:政客通常会隐藏他们在挫折和失败面前的心绪,装得像硬汉那样。艺术家搞政治,是自我暴露的,他们一边搞, 一边会流露出犹豫和彷徨。这种自我暴露是坏的政治,却是好的艺术;政治计划失败了,不要紧,它可能是一个很好的艺术品。

似乎是,在今天,我们的政治领域里需要大批的艺术家,而不是社会运动分子或UGO志愿者。艺术家可以漫天地去追求政治目标,把他们自己的作为生命过程的政治活动,当作艺术品来展示。

今天,如果你还是窝在功能专属的传统美术馆搞艺术,那就是太没出息了。我们的全球政治和社会舞台上,需要大批的艺术家:他们应该将这个全球大舞台当展示空间,而不是传统美术馆当战场。美术馆和画廊应该给公众来搞艺术了。

4-不知道这个推论是不是会太大:今天,只有以那个全球政治和社会大舞台当作展空间的概念主义艺术,才是我们传统所认为的艺术家了?

是不是也可以说,想以这个舞台为最终展示空间的网上概念主义艺术家,以自己的一生去追求他们自己的政治计划,才能蝶变为一个伟大的艺术家?

5-展示装置在今天是一个整体主义空间。 我们也不再是做单个独立作品的孤立呈示,而是主动去编织作品之间的关系,将这种编织放到前台。

6-在一个展示空间里安排作品,就像把一些词语安排成一个句子。这是我们在网上做概念主义艺术品里得出的经验。在经历一段形式主义式的艺术理解之后,艺术重新有意义和可交流了。它更理论了。艺术被当作一种语言来使用了。单个作品是有待征召的。

7-康德的“审美自我意识”是指, 艺术、诗歌和修辞上的实践,实际上,就像孩子们的学跳拉丁舞,今天还在练,明天就得上台给跳给人看。在别人的凝视下或意识到别人必定会看见的情况下(拍电影),将自己展现出来,冒着风险、冲突和失败、讥讽地。在我们时代,所有这类行为,都可以称作艺术了!包括微博发言!我们都是概念主义艺术家了,职业艺术家在这样的情形下,必须如何来奋起有为呢?

 
2012-04-22 1:56

1-英美文化批评要严格其“视觉研究(visual studies)”的界限,与法国图像理论对接时,会引起诸多困难。演讲认为,视觉性应该是相对主义地对应于某一时代的社会-历史条件的,而不是一种独立的元素

2-在法国理论中,德里达、福柯、德勒兹和利奥塔的立场,归纳起来,可称作:反图像本体论。具体说来是,他们都认为文字式话语会去专制图像,画家和摄影者无法守卫图像或视觉的自治。也就是说,这些人的立场摆在那里,那我们只能认为:视觉是由待形成的,是由一时代的技术、审美和神话结构(意识形态)决定的。

3-当我们说“视觉”时,我们一般是承认了:图像是要由观者的眼睛和身体到来之后,才形成。我们说视觉时,“艺术”被我们撇一边了。做视觉就不是做艺术了。

4-所以,做视觉研究,范围就远远大于艺术史和作品研究了。这样看,视觉研究应该是文化研究的事了。

5-后来演讲者就重点讲了一个例子,就是大卫/霍克尼的《秘密知识》。

这个波普 主义者在这本书里做的是很业余的文化研究,但得出这样一个结论:1430年,安格尔就是在用camara lucida来玩波普了。也就是说,安格尔那时都已懂了,画画,这不是从头创造一切,而是像泥瓦匠去做装修一样的。画一个手臂多麻烦,要是能复制粘贴一下,那有多好。霍克尼发现,安格尔画的女人手臂和房间内的地毯乱纹,都是“波普”的:都是像沃霍尔那样在投影上描出来的。

这个例子放在演讲中算是什么意思呢?

一个时代里会有一种视觉经济。这种视觉,是观众 的眼睛和身体凑上来,一起来完成的。波普艺术家们知道,观众看到什么,不全与他们如何来画完全相关。其实只要有那么一点意思在了,观众自然就会挺身而出,理解到完全;神学式神韵没有了之后,视觉生产照常。

6-这样倒过去看,哪怕在五百多年前,艺术家们也已在进行视觉生产了。画家都是在动用自己的整个身体,而不光是眼睛,在做视觉生产。而且,建筑、雕塑、绘画等等所涉及和动用的是“视觉”的不同面相。所以,“视觉艺术”应该是复数,是各种视觉艺术,而不是一种。

7-这样看来,“视觉性”是一个远比“艺术”更宽的范围。对它的研究,完全用不着局限于艺术史。

 

 
2012-04-19 18:14

1-请我吃了顿好的,还称我老师,兄弟也已奋斗了这几十年,那敢情一定是“艺术”了!也很赞成拿这个艺术去卖,而且一定要通过公关宣传卖出一个好价钱。太应该这样了。

2-说实话,这种“艺术”的买卖史和价格史和画框内部设计史和主旋律副旋律和次旋律和虚旋律图解史,其实是比我所认为的艺术的进化“史”精彩很多倍,艺术家和评论家其实都应该去关怀那些个,才出效率,才真诚。大家在媒体和艺术学院应该像讨论股票行情去那样来讨论它,每张报纸都应该有这样一个版面。

3-可我也见多了这样的艺术家,他们搞着一种卖钱或不卖钱的艺术,心理总觉得另外还有一种艺术,吃着碗里的,想着盘里的。那另一种艺术像恶梦一样难以驱除。有时,他们认为他们要做的艺术是实现现代先锋派们的遗志,必须去扛过旗帜。有时就出于一种萨蹄儿式的轻浮的见异思迁,觉得每翻开一页,都应该是新的,怎么自己在弄的,和看到别人在弄的,总是老一套,那是一定有问题。

大家都在搞艺术的,可心里面都反了水:搞是在搞着了,那一定还有一种“真正的艺术”的,从小在学校里就是这样被许诺的。

4-所以,问题出来了:我要的到底是什么意义上的艺术?到一直以为快得到,总是还未得到的艺术,是什么样的呢?

之前我在很多地方讨论过“艺术”这个词如何被滥用,认为要严格划清它被使用时的所指。这个看法有点学究。能不能直说:我要的到底是什么意义上的艺术?下面来试试看。

5-1它往往不在你的作品中。

5-2它往往不发生在我一个人与某个作品的面对中。

5-3它往往与艺术家无关。

5-4它往往发生于对某个还未实施的方案、或已失败或放弃的计划的讨论中。

5-5它往往不以图像的形式出现,十之八九是在话语行动中带出。

5-6它在展览中与观众偶遇的那一刻发生时,与作品,与作者,甚至展览本身关系都不大,而这不是很好嘛!

5-7它是一次次的进化和刷新,所以它没有“史”。

6-所以,我们在艺术家圈中见到了三种人。一种是认为自己很艺术、非艺术不要、为此苦苦修炼几十年准备做张大千的艺术家,这些我们可称他们为art artists;另一种认为既然自己是学院派,做出来的东西能卖掉,“我怎么可能不是艺术家?”式的艺术家,让我们称他们是real artists,这个real的意思是真实的和现实的(存在的就是现实的因而就是合理的)那一种真实或现实,平时我们也这样说“现实政治”的。

第三种艺术家是什么样的人呢?就是那些应该在社会的集体观察和自我观察之上冲浪的人,只把作品当冲浪板,不能发动,那就制造事件,一弄就弄成国际的人。他们是宣传家、阴谋家和捣乱家。

我认为Raqs Media很典型:公然的宣传大师,把作品只当作海报,不制造作品,而是制造谈论,在学术、艺术和文化三者之间下种,没空就思想思想,有空就造造反,不在市场,而在国际和精神领域收果。

R的特点是:我来了,我要来领导潮流,领导不了,我也要来出风头;你们弄得差不多了,我要再搅搅看,搅不出什么来,那就策反和颠覆吧,弄出点风声和丑闻来,让我到大众媒体更需 来收获果实。反正,这一刻,什么是艺术,艺术应该弄成什么样,先得让我来领衔三分钟。三分钟后随你。

7-如此,则我们陷入这样一种怪圈:所有我们正在安全地搞着的那种我们以为是艺术的方式,不是我们声称要搞的艺术,后者总是在下一次冒险和实验里带出。用朗西埃的话说,它不是我们一起搞着它的人对它形成的共识,而是异识/异感:下一次仍得重新敲定。

 
2012-04-16 17:43

1-因为课堂上讨论到了立体主义,说到了毕加索综合症,就涉及到了中国的毕加索大展。

2-先说这个毕加索综合症。E_flux最近有一篇论文,作者Bauer说到,毕加索巴勒斯坦展出的布展的过程,一下把以色列占领巴勒斯坦的全部现实,都给牵连和揭露出来了。毕加索于是像一种既好又坏的病毒,是测试剂,但也是感染源了。

谁感染谁也很难说。好莱坞拍过《中国综合症》讲一个犯罪案件一涉及中国人,就变得离奇起来。而今天,我们眼皮底下实际上发生着更大的一桩综合症:全球资本主义在中国以前猖獗着时,还蛮着五六的。一进入中国,与它勾搭到一起,就不以任何人的意志为转移地扬长而去了,再也收不回来它的花心了。

3-毕加索在中国引起的是什么样的综合症呢?

或者说,他与中国艺术家们之间来电吗?

评论家吕澎说: “毕加索对于80年代中国新艺术更多的是一种思想性和观念性的解放和启发,帮助艺术家开拓思想。因为每个艺术家的情况不一样,所以在具体的风格样式上不一定能形成直接的影响。”

评论家费大为说:“我认为毕加索和中国八十年代新潮艺术的关系不是很大。”他向记者介绍,80年代的思想解放使得外界一些艺术信息进入中国,毕加索的绘画也得到了一些宣传,但是他的影响主要表现在现代艺术对大众的普及。

“对于当时前卫艺术的产生,我觉得影响非常小。”费大为介绍道,“中国前卫艺术的产生主要受到两股西方艺术潮流的影响:一个是世纪初的表现主义,另一个是七十年代以后的观念主义艺术,还有一些艺术家对抽象艺术表现出兴趣。中国前卫艺术的大多数艺术家似乎故意跳开了毕加索这一个艺术现象,也许是因为毕加索的语言游戏过于优雅,也许是因为他在风格上的多变有投机取巧的嫌疑,总之和中国当时激进的前卫艺术氛围很不合拍。毕加索的风格虽然多变,但却是一个封闭的、折衷的系统,有着明显的个人印记。凡是试图模仿他的作品必然被很快认出,几乎成了艺术家不成熟的标记。相反,表现主义和观念艺术为中国艺术家所开的窗口要宽敞很多,也更加容易承载八十年代那种激进的颠覆态度。记得1987年我陪蓬皮杜中心馆长见耿建翌、张培力时,耿建翌压低嗓门恶狠狠地说了一句,‘我发现毕加索就是一个婊子’。蓬皮杜馆长马上接了一句:‘呵呵,我刚刚回绝了一个毕加索的大展’。在观念艺术已经涌进中国的当时,再去谈论毕加索确实很难再引起巨大的激情了”。

4-两位评论家的看法是:毕加索并没有与八十年代以来的中国艺术来电。与他们来电的是别的艺术家和别的艺术流派。毕加索在我们中国艺术家看来,在现代主义先锋派里不大入流,不能与杜尚、与表现主义与概念艺术比。

这个看法很流,对头吗?另外,这种在中国当代细细地分出它们的斤两,还有意义么?

再问:这是个选择问题吗?有主观和有意识的选择的吗?有些西方现代主义及其先锋运动及其代表艺术家是对中国艺术家有正面作用的,有的是反动的,有的是无作用的?我们这是在挑药和酒的配方?

5-如何在我们自己的当代艺术行动里摆正“毕加索”的位置,或在他面前摆正我们自己的位置呢?

像以上两位评论家那样,挑一个好的来坚持,去掉不好的,对于不痛不痒的如毕加索,就随他去,这样一种态度,在今天,是搪塞不过去的了。我们必须拿出更宽大、更负责任的立场来。

6-回到我们最近讨论的德波尔在《现代文化中的革命和反革命》一文中的立场:现代主义先锋运动,在政治诉求上,是与同一时期的革命政治运动平行的;因为想要通过艺术来总体地改变世界的计划受阻,所以,几乎所有的先锋运动都退回到了的僵化的教条中,如果 我们要从它们那里接过任务,就必须重新激活它们的真实的斗争,而必须正视情境主义的困境和战略高度:总体地改变世界先,漂亮地做出艺术后;如果一味跟着现代西方人的先锋艺术姿态走,就成了玩花活儿,离题了。艺术做得好不好,如果这事儿竟与西方现代主义先锋派有瓜葛,那就应该是由下面这一点来决定:如何比那些西方先锋派来勇敢和觉着去接过那一“总体地改造世界”的任务?

7-德波尔的这个看法,我们还应该加以延伸:去比出毕加索、杜尚和布列东哪个境界更高、思想更深,没什么意义;应该做的是,把他们当作奋起革命(艺术的或政治的)的三种路径,我们在今天看他们当时如何向前,但又如何退却和僵化,是后进者在吸取革命行动的经验教训;我们作为后人,必须有这样的一种继承者的情怀:他们是我们的奋斗前人,我们如何一样冲上去,还会沿着他们们的道路、踩着他们的肩膀走,而且我们的历史任务现在是:走得比他们更远;而在今天,我们非但没有走得更远,而且还落入黑暗时代了:我们比他们更落后于那一重大的政治了,欠债更重了;我们的奋起,会比他们的奋起更难,需要做更多的准备和热身运动了。

8-所以说,我们必须反对这样一些流行的态度:在众多的现代主义先锋派里挑一个自己喜欢的来续搞,挑杜尚而不是毕加索来模仿和跟从,来显示我们的眼光和境界,以做一个中国杜尚为荣耀,以此来看不起那些中国毕加索。如果是这样,那我们的艺术史研究就太落进皮毛了。 

 

 

毕加索与80年代中国艺术“来电”吗?

早在1983年,中国美术馆就曾举办过“毕加索绘画原作展览”,当时的法国总统密特朗还出席了开幕式并剪彩,那时人们通毕加索知道了什么是现代绘画、立体主义,在那个思想初解放的年代,他的到来实实在在给文化界打了一针“毕加索兴奋剂”。

在采访中吕澎认为,相比杜尚对后现代艺术的启发,毕加索对80年代中国艺术的影响存在一个艺术史逻辑的问题。“毕加索对于80年代中国新艺术更多的是一种思想性和观念性的解放和启发,帮助艺术家开拓思想。因为每个艺术家的情况不一样,所以在具体的风格样式上不一定能形成直接的影响。”

而费大为则在采访中提出了不同的意见:“我认为毕加索和中国八十年代新潮艺术的关系不是很大。”他向记者介绍,80年代的思想解放使得外界一些艺术信息进入中国,毕加索的绘画也得到了一些宣传,但是他的影响主要表现在现代艺术对大众的普及。

“对于当时前卫艺术的产生,我觉得影响非常小。”费大为介绍道,“中国前卫艺术的产生主要受到两股西方艺术潮流的影响:一个是世纪初的表现主义,另一个是七十年代以后的观念主义艺术,还有一些艺术家对抽象艺术表现出兴趣。中国前卫艺术的大多数艺术家似乎故意跳开了毕加索这一个艺术现象,也许是因为毕加索的语言游戏过于优雅,也许是因为他在风格上的多变有投机取巧的嫌疑,总之和中国当时激进的前卫艺术氛围很不合拍。毕加索的风格虽然多变,但却是一个封闭的、折衷的系统,有着明显的个人印记。凡是试图模仿他的作品必然被很快认出,几乎成了艺术家不成熟的标记。相反,表现主义和观念艺术为中国艺术家所开的窗口要宽敞很多,也更加容易承载八十年代那种激进的颠覆态度。记得1987年我陪蓬皮杜中心馆长见耿建翌、张培力时,耿建翌压低嗓门恶狠狠地说了一句,‘我发现毕加索就是一个婊子’。蓬皮杜馆长马上接了一句:‘呵呵,我刚刚回绝了一个毕加索的大展’。在观念艺术已经涌进中国的当时,再去谈论毕加索确实很难再引起巨大的激情了”。

看不懂,怎么办?

在某种程度上,因为“看不懂”,导致了毕加索上海之行遭遇票房惨淡和人气寥落。

费大为认为,看不懂毕加索的人主要是对整个现代艺术不了解的普通大众,他们去看毕加索的展览是冲着他的名气去的,他们对二十世纪以后的新艺术并没有思想准备。

“99%的民众都是用十九世纪西方艺术的眼光来看作品。他们的欣赏习惯也不是固定不变的,但这个转变需要一定的时间。我觉得现在比起八十年代已经要好很多,因为不少观众认识到艺术不一定只是一种唯一的样式,你可以不喜欢,也可以喜欢,这都没有关系。”费大为以写实油画作品为例,在清代,人们看到西方写实油画会非常惊讶或愤怒,现在就不会了。现在他们是站在西方写实主义油画的立场上去抵抗西方的变形的油画。“这只是一个过渡和时间的问题,慢慢习惯了就好了”他说。

“普通观众虽然在视觉上会有一些感性的冲击和直觉上的理解,但最终要理解毕加索的话还是有困难的”吕澎则建议观众去读一读艺术史。

 
   
 
 
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艺术家做展览、女人显时尚是献祭.. 齐美尔这个论段很让我触动!
 

陆老师,你带法国哲学的研究生吗?
 

“wg”的另外一张面孔,是大众对官僚体系的反抗。作为一种强劲的动力,1949 年之后在
 

回复liqinghuai2007:将“WG”仅仅描述成“权力斗争+大众疯狂”不仅相当肤浅,也会
 

回复理论车间:陆师,您可否给我《 政治哲学 》的课件,先谢谢了 邮箱已经PM你站内
   
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